"Цветовой прорыв": в областной столице открылась выставка работ основателей Владимирской школы живописи

"Цветовой прорыв": в областной столице открылась выставка работ основателей Владимирской школы живописи

Подарок всем почитателям творчества Владимирской школы живописи. Настоящий «Цветовой прорыв». Идём на итоговую юбилейную выставку с Верой Куликовой.

— Первые изыскания Владимира Юкина были связаны с Русским союзом художников.

Куратор выставки «Цветовой прорыв» показывает экспозицию сотрудникам Владимиро-Суздальского музея-заповедника. Здесь — работы основателей Владимирской школы живописи: Владимира Юкина, Кима Бритова и Валерия Кокурина. Всё из фондов музея.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Название выставки «Цветовой прорыв» на самом деле пошло от того, что мы сталкиваемся с очень яркой живописью, наполненной самыми разными красками и с экспериментами в технологии создания пейзажной живописи.

Выставка приурочена к юбилеям живописцев: 105-летию Владимира Юкина, 100-летию Кима Бритова и 95-летию со дня рождения Валерия Кокурина. Увидеть картины художников из музейных запасников, узнать их творческую кухню, как создавался уникальный стиль Владимирской школы — настоящий подарок почитателям таланта художников.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Это очень необычная живопись, которую интересно рассматривать, интересно наблюдать за тем, как стиль становится всё ярче и смелее с каждым годом. Поэтому хочется узнать, отчего они такие получились, потому что Владимирская школа живописи — уникальное явление. Мы имеем дело с художниками, которые во многом учили себя сами, то есть их образование практически не прерывалось на протяжении всего времени их работы.

Истоки Владимирской школы идут от мстёрской иконописи и миниатюры. Владимир Юкин преподавал в Мстёрской художественной профессиональной школе, Ким Бритов некоторое время там учился.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Интересно то, как владимирские живописцы получили это образование миниатюристов, а потом пошли работать в такой достаточно мощной, размашистой живописи. Как случилась именно эта эволюция.

У каждого художника свой зал. Первый — посвящение Юкину.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— У Владимира Юкина нет второстепенных сюжетов. Ему одинаково важно абсолютно всё. У него довольно много сюжетов достаточно будничных. Например, работа «Ждут автобуса» просто изображает людей, которые застряли на остановке в ожидании транспорта. Но помимо таких будничных сюжетов для него также характерны натюрморты и работы, в которых он использует различные цветы, в том числе и срезанные. Причём интересно, что эти работы чаще всего он писал даже не во время цветения, а уже когда начинался первый снег.

В своих пейзажах Владимир Юкин изображал переходные сезоны.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Он не очень любил писать открытое лето или открытую зиму, скажем так. Ему больше интересен как раз момент, когда природа переходит из одного состояния в другое.

А вот Ким Бритов, напротив, любил зиму. И много её писал. Причём в его палитре были только открытые цвета.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Мне кажется, основной цвет Бритова — это рублёвский голубец, на мой взгляд. Я всё-таки думаю, что это тот цвет, который поражал его больше всего. И даже когда его спрашивали про секреты мастерства, он всем говорил: «Мы живём во Владимире, сходите в гости к Рублёву. Просто посмотрите на этот голубой цвет». И изначально, когда мы делали эту выставку, мы старались подбирать работы так, чтобы концентрироваться на тех цветах, которые для художников были наиболее важными. И у Бритова это безусловно вот этот голубой, лазурный цвет, который у него очень часто присутствует даже абсолютно открытый и не смешанный.

Родоначальников Владимирской школы живописи в основном знают по пейзажам. Но были и портреты. «Рыбак» в исполнении Кима Бритова — украшение выставки. Написан во время поездки на Азовское море.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Эта работа достаточно ранняя, 62 года. Здесь ещё Бритов пытается нащупать свой фирменный стиль, хотя уже появляется и такое плоскостное ощущение пространства, да? И работа яркими открытыми цветами. Но что здесь интересно? Интересна фигура вот этого рыбака, которая вписана в абсолютно равнобедренный треугольник. И посмотрите, как он здесь стоит? Он занимает собой всё пространство холста. Очень монументально. Он прямо такой настоящий богатырь, как будто выросший из земли.

В этой же манере в 60-х Ким Николаевич и создавал пейзажи. Их герои — не только люди, но и древние крепости.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— У башни в Загорске вот это ощущение "богатырскости", которое у Бритова ясно проявляется в его портретах людей (которых он не так часто писал, но тем не менее они есть, мы их показываем на выставке), было перенесено на архитектуру. Я вам также советую посмотреть его работу «Старая Ладога», которая находится в основной экспозиции ВСМЗ, потому что там тоже есть ощущение основательности. Всё-таки, несмотря на то что технология и подход к живописи у владимирских мастеров похожи, тем не менее есть некоторые моменты, которые их отличают. Вот у Бритова это ощущение мощи, когда он пишет архитектурный пейзаж.

Любопытно, что здесь представлены работы, которые корифеи Владимирской школы живописи показывали в 1960 году на своей самой первой выставке в Москве «Советская Россия». После неё и заговорили о Владимирской школе. Картина Валерия Кокурина «Осеннее кружево» — часть той экспозиции.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— У Кокурина абсолютно всё, что он видел, перерабатывается в его творчество. В частности, здесь можно заметить, как он увлёкся древнерусским шитьём. Он его впервые увидел в 60-е годы, и тогда он активно начинает эту вот манеру — такую кружевную, манеру вышитую, можно сказать, — вышивать красками по холсту.

В бытность работы обмерщиком в реставрации Валерий Кокурин был особенно впечатлён Дмитриевским собором, что впоследствии дало толчок к новым работам.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Восхищение пластикой древнерусской архитектуры он, безусловно, перенёс и в свою живопись. А когда увидел шитьё, стал развивать кружевной, достаточно ажурный стиль. В 60-е годы характерно появление таких работ. И иногда, что самое интересное, он не просто говорит про своё увлечение шитьём, вышивкой, но и включает некоторые детали непосредственно в свои работы. В частности, вот эта жанровая работа «Гобеленщица» — можно увидеть использование самых настоящих ниток.

Валерий Кокурин — единственный из Владимирской школы — работал с масляной пастелью. Эти эксперименты тоже можно оценить на выставке.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— У масляной пастели достаточно странная репутация. Скорее, репутация детского материала. Но при этом Кокурин настолько много может «выжать» из обычных восковых мелков, что просто удивительно, почему эти вещи не экспонируются часто.

В каждой картине Валерия Кокурина — радостное буйство цвета. От его радуги не оторвать глаз.

Елена Коваленко, куратор выставки (г. Москва):

— Он проходил мимо Клязьмы, начался дождь, ему пришлось спрятаться в кусты. И потом, когда вышло солнце, над Клязьмой разверзлась вот такая яркая радуга. И Кокурина безумно поразил этот пейзаж, и он решил, что запечатлеет его. Правда, он очень долго искал красный цвет для того, чтобы написать иван-чай, вот эти яркие заросли цветов. Долгое время не мог его найти, пока ему не привезли из Италии тюбик краплака. Краплак вообще использовался очень многими живописцами. Это достаточно часто встречающийся пигмент. Но, наверное, самое яркое использование — это Вермеер и «Девушка с жемчужной серёжкой». Её алые губы — как раз использовался краплак. И у Эль Греко использовался краплак.

Их называли русскими Ван Гогами. Основатели самого яркого направления советского пейзажа смогли сделать древний Владимир точкой притяжения для многих поколений художников. К нам и сейчас едут за вдохновением.

Вера Куликова, Евгений Калинин. «Вести-Владимир».